Especial Nirvana: Com as luzes apagadas o Pai Natal é menos perigoso

Oito anos volvidos sobre o conceito de editar um documento definitivo sobre o revolucionário legado musical dos Nirvana e seis sobre armistício entre os dois terços da banda (Dave Grohl e Krist Novoselic) e a viúva tóxica Courtney Love, os fãs portugueses têm a partir de hoje a oportunidade de, em época natalícia, natural e convenientemente, perdoar as sangrentas batalhas jurídicas em torno dos "royalties" do tesouro Nirvana, abrir os cordões à bolsa e, finalmente, adquirir "With The Lights Out", uma "box-set" de luxo com três CD e um DVD, ambos repletos de material inédito, que promete, desde logo, transformar 2004 no Natal mais "grunge" desde a inesperada explosão "Nevermind" de 1991. Recorde-se que a presente colectânea, editada no mês passado nos EUA, esteve, inicialmente, para ser lançada em 2001, aproveitando as celebração de uma década sobre "Nevermind", histórico e influente registo que renovou a estética e sonoridade rock em todo o globo, derrubando o virtuosismo dos anos 80 , ressuscitando o aroma punk da década de 70 e sobretudo, fazendo erradamente acreditar que qualquer miúdo de Nova Iorque a Tóquio não necessitaria de saber mais do que meia dúzia de acordes para se converter numa estrela da universo rock.
"With The Lights Out" apresenta-se este ano tendo, desde logo, do ponto de vista comercial, outra poderosa alavanca para o sucesso, o 10º aniversário da morte de Kurt Cobain. Revista pela imprensa norte-americana como um produto exemplar a nível de recolha de material raro, perdido no sotãos e nas garagens de Seattle, a excelente escavação arqueológica surge como uma nutritiva refeição especialmente preparada para os fãs "hard core" dos autores de Bleach. No entanto, sem trazer para a luz do dia algum tesouro escondido, capaz de competir na mesmo circuito "mainstream" com "You Know, You´re Right, isca da anterior sugestão natalícia, o "box-set" que hoje pisca o olho à nova gerção de melómanos e coleccionadores de DVD triunfa sobretudo pela relevância histórica do imenso material inédito que oferece, acrescentando elementos essenciais para uma análise mais profunda e esclarecida sobre a ascensão e queda de uma das mais mediáticas e significativas bandas rock da década de 90. O mais recente produto editado pela Geffen/Universal contém desde logo três CD com 81 temas, dos quais 68 inéditos, um DVD que inclui, entre outras especialidades, filmes caseiros, ensaios de garagem, várias actuações ao vivo e vídeos inéditos com nove temas interpretados na casa da mãe do baixista, Krist Novoselic, e ainda um "booklet" de 60 páginas com fotografias inéditas e uma série notas e reflexões assinadas por Neil Strauss, ex-crítico musical do "New York Times", e Thurston Moore, pedra ângular dos Sonic Youth, uma da grandes inspirações e referências sonoras de Cobain.
Entre o material recolhido destaque, em formato CD, para os "outtakes" de "Nevermind" que revelam com clareza inquestionável a essência e o âmago original da sonoridade mais bruta do colectivo, com "Old Age" a ergue-se como o tema mais representativo da banda de garagem aparentemente pronta a ser empurrada para o "mainstream" através primeiro das rádios e depois da MTV, destronando das tabelas de vendas dos EUA o "perigoso" rei da pop, Michael Jackson. Os propostas dos CD pretendem e alcançam a fonte criativa e rude da banda revelando os primeiros anos de garagem e de gravações caseiras, sem nunca desprezar os sucessos pós-1991. Seguindo a mesma abordagem comercial e estética, o DVD revela momentos singulares dos Nirvana como muito aguadado ensaio de Dezembro de 1988 e o não menos relevante concerto no Motor Sports Garage, em 1990, no qual Kurt Cobain acrescenta ao léxico destrutivo do rock mais meia dúzia de sugestões de como partir uma uma guitarra em palco. Para além de ser um excelente produto comercial, "With The Light Out"afirma-se como uma prenda de natal obrigatória, não só para os órfãos do ícone Cobain, como também e sobretudo, para os investigadores do fenómeno e da historiografia do rock.

DR 

Jorge Palma aqui no "Norte"

"Norte" de Jorge Palma dispara em várias direcções, da política de Humberto Delgado à poesia de Al Berto, mas nem sempre acerta no alvo. Ao vivo as munições são outras e os danos colaterais mais graves. Ontem, ao final da tarde, numa Fnac do Norteshopping completamente esgotada, Palma ofereceu uma amostra"live" e centenas autógrafos. Alguns dos temas que no disco ameaçam morrer asfixiados pela banalidade melódica, ao vivo adquirem uma bolsa de ar e ressuscitam de forma algo surpreendente. No entanto, apesar da voz já começar a ceder, o charme junto de um novo público "teenager"parece ser cada vez mais forte.
Sozinho em palco, obedecendo ao alinhamento do CD, "Passeio dos Prodígios" confirma-se como uma espécie de introdução ao piano, tipo "Imagine" de Lennon, pouco generosa em termos de originalidade, enquanto o tiro em direcção à globalização, inspirado da frase de Saramago, "Optimista Céptico", ironizando, desde logo, com a industrialização cultural e a esquizofrenia da comunicação, não escapa ileso aos arranjos das teclas de Miguel Ferreira, que transformam a melodia num tema pop que, apesar do selo de qualidade dos Clã, não deixa de ser um objecto estranho no Planeta Palma.
"Os Demitidos", uma das composições mais fortes do registo, ao vivo adquire uma intensidade superior, recuperando o melhor das melodias de Palma e numa ironia involuntária acabando mesmo por se revestir de uma actualidade superlativa em versos como "e assim vamos vivendo/na província dos obséquios/cedendo e pactuando enquanto der/filósofos sem arte/afugentamos o desejo/temos preguiça de viver/ Estás demitido, obviamente demitido". Finalmente, destaque para o tema mais interessante de todo o álbum. "Demónios Interiores", escrito por Carlos Tê. Um confronto psicológico, irónico e delirante com os "lados lunares" do ser humano, num jantar de digestão apesar de difícil necessária. Será, certamente, um dos clássicos a acrescentar a legado de Palma entre "Jeremias", "Bairro do Amor", "Dá-me Lume", e tantos outros. Ontem foram os "Demónios" que encerram o concerto, arrebatando o muito público que apanhou com uma hora de boa música cantada em português.

PS: A meio do concerto, ao meu lado, uma adolescente, ao ouvir o verso "é a dança mais pungente, mão a trás e outra à frente", d´"A Valsa dum Homem Carente", interroga a amiga: "Pungente? O que é que isso é?" Ao que a companheira responde: "Não sei, mas deve ter qualquer coisa a ver com pus. A mim lembra-me pus".

"Fountain", Marcel Duchamp (1917)  

O triunfo do urinol

Segundo a edição de ontem do "The Guardian", um júri de notáveis do mundo da arte considerou o urinol de Marcel Duchamp,"Fountain", o mais influente trabalho de Arte Moderna. O provocativo e desvalorizado "readymade" do artista parece finalmente, volvidas mais oito décadas, ter encontrado um inesperado reconhecimento internacional através de um prestigiado painel de jurados composto por de artistas, críticos, curadores e negociantes de arte comissariados pelo patrocinador do Turner Prize, a Gordon´s.
Ao ter conhecimento desta notícia fui de imediato as minhas prateleiras para contextualizar o fenómeno e encontrei a obra "Marcel Duchamp - Engenheiro do Tempo Perdido", a tão célebre quanto polémica entrevista de Duchamp ao não menos reconhecido Pierre Cabanne (ed. Assírio & Alvin), da qual tomo a liberdade de transcrever uma breve passagem. As conclusões ficam a cargo da moderna subjectividade individual.
"-Em Abril de 1916 participou numa exposição em Nova Iorque, chamada "Quatro Mosqueteiros", os outros três era Crotti, Metzinger e Gleizes. Estava também entre os fundadores da Sociedade dos Independentes e apresentou na primeira exposição um urinol intitulado Fountain, assinado R. Mutt, que foi recusado.
-Não, recusado não. Não se podia recusar uma obra nos Independentes.
-Digamos que ela não foi admitida.
-Foi simplesmente suprimida. Eu estava no júri, mas não fui consultado, porque os jurados não sabiam que fora eu quem o tinha enviado; escrevi o nome Mutt para evitar quaisquer relações com coisas pessoais. A Fountain foi simplesmente colocada atrás de uma divisória e, durante toda a exposição, eu não sabia onde estava. Não podia dizer que eu próprio tinha enviado esse objecto, mas suponho que os organizadores o sabiam pelos boatos. Ninguém ousou comentar. Fiquei aborrecido com eles e retirei-me da organização. Depois da exposição, encontrámos a Fountain atrás da divisória e recuperei-a!
-É um pouco a mesma aventura por que passara no Salão dos Independentes de 1912, de Paris.
-Exactamente. Não conseguia fazer nada que fosse aceite de imediato, mas isso não tinha importância para mim.
-Diz isso agora, mas na altura...?
-Não, não, pelo contrário. Era assim mesmo, bastante provocante.
-Então, desde que tivesse procurado o escândalo, estava contente?
-Foi, com efeito, um êxito. Neste sentido.
-No fundo, ficaria desapontado se a Fountain fosse bem recebida...
-Quase. Na época gostei muito. E depois, na verdade, não tinha muito a atitude tradicional do artista que apresenta o seu quadro, que quer ser aceite e depois louvado pelos críticos. Nunca houve uma crítica porque o urinol não aparecia no catálogo.
-Arensberg comprou-o mesmo assim...
-Sim e perdeu-o. Foi feita uma réplica em tamanho natural que está na Galeria Schwartz."

foto: Humberto Almendra 

"Hoje à Tarde": dança-teatro no Vilarinha

Teatro da Vilarinha estreia logo a partir das 21h45 o interessante espectáculo "Hoje à Tarde". Trata-se de uma peça de dança-teatro da responsabilidade da companhia de S. Félix da Marinha, Gaia, La Marmita, que propõe, desde logo, viagem guiada ao previsível e superficial universo das telenovelas. Tive a oportunidade de assistir ao ensaio de imprensa, na segunda-feira, e sinceramente gostei, apesar de não ser um apreciador de correntes minimalistas. A coreógrafa mexicana Andrea Gabilondo e o actor Luciano Amarelo assumem o protagonismo e em palco corporizam um projecto repleto de excelentes momentos de dança contemporânea aliada a interpretações consistentes e, devidamente, complementada por uma projecção vídeo, que apesar de pouco ambiciosa, não foge à coerência geral do trabalho.
Partindo da rotina da vida doméstica de um casal, a dupla sugere uma série de episódios marcados pelo minimalismo e automatismo de movimentos, numa evidente referência a industrialização das propostas audiovisuais, em geral, e das televisivas, em particular. Andreia Gabilondo confessou-me que o trabalho de ensaios foi marcado, sobretudo, pela "riqueza das improvisasões" e pelo "rigor" na selecção e interpretação de uma gramática corporal particulamente exigente e pertinente. A previsibilidade dos movimentos e narrativas televisivas, o jogo da rotina, o universo da emoções esterotipadas são alguns dos aspectos temáticos presentes num trabalho de elevada qualidade interpretativa e, sobretudo, numa coerência e objectividade interna que remetem para um estudo sério, profundo e consistente da arte em diálogo com as realidade sócio-comportamentais contemporêneas. Tecnicamente, destaque para o excelente aproveitamento, não só do espaço cénico, como também dos adereços, mesa e cadeiras, em movimentos de dança criativos, surpreendentes e superlativos.
O espectáculo "Hoje à Tarde" ocupa o Teatro da Vilarinha até ao próximo dia 11, de quinta a sábado, sempre às 21h40. Bilhetes custam entre 9 e e 4,5 euros. Vale a pena, pois é um dos melhores espectáculos de dança a chegar ao Porto, depois do excelente Festival da Fábrica.

Grande Entrevista: Marco Paulo "uncensored" (1ª parte)

Ontem arranquei em direcção ao Monte da Virgem, em Gaia, não para apreciar uma Nossa Senhora aparecida a brilhar numa qualquer telegénica copa de árvore acidentalmente iluminada por uma descontrolada câmara da RTP, mas para entrevistar o Rei que segura o ceptro da música romântica em Portugal há mais de 35 anos, o cantor que em menos de uma semana já somou mais um disco de ouro à sua impressionante colecção com “Amor Sem Limite” e que no dia 23 cantou em Fátima, emocionando perto de 60 mil pessoas. Não se iludam os melómanos mais cínicos, estamos perante um fenómeno da interpretação em língua portuguesa. Se Marco Paulo tivesse nascido em Espanha seria um Júlio Iglesias, atravessaria o Atlântico aos fins-de-semana num Jet-Set comprado a pronto, daria entrevistas de hora e meia na MTV, em Nova Iorque, da parte da tarde, concertos “afterhours” num qualquer casino em Las Vegas, empurrando Celine Dion para o Canadá, país do qual nunca deveria ter saído.
“Mulher dos 40”, tema de Roberto Carlos, desenhava, finalmente, um ponto final às três horas de emissão da Praça da Alegria. A voz poderossíssima de Marco Paulo ameaçava destruir de uma vez por todas, numa manifestação cabal da existência do divino, o tão frágil quando minúsculo cenário da “sit-com” matinal da RTP. Esperei os autográfos, as manifestações de admiração e reprimida devoção dos espectadores, enquanto apresentadores e figurantes de serviço, transformados temporariamente pela maravilha da maquilhagem em bonecos de cera, se despediam uns dos outros num ritual demorado e cansativo a roçar aquilo que parecia ser um competitivo e interminável concurso Pepsodent pelo sorriso mais branco.
Depois de uma boa dezena e meia de fotografias junto à árvore de Natal e de uma breve mas produtiva e não menos profissional conversa com o fotógrafo que me acompanhava, Marco Paulo sugeriu que a entrevista se realizasse no seu camarim. Tendo em conta, o reboliço e artificialidade agónicas de um “set” da Praça da Alegria cada vez mais parecido com o museu Madame Tussaud´s, respondi afirmativamente. Queria mesmo era sair dali para fora o mais depressa possível, nem que fosse preciso utilizar o "exit" de emergência. Seguiu-se uma viagem tão alucinante quando enjoativa por uma série tétrica e labiríntica de corredores decorados com poeira artisticamente colocada pelo tempo sobre uma tinta que fora branca em tempos de memória celuloíde. Recordei-me de uma unidade hospitalar anónima e abandonada algures numa capital de distrito ainda por descobrir a norte do Douro.
Timidamente, entrei no camarim como quem penetra um templo budista. A sala era uma espécie de tributo aos quartos por mobilar de uma pensão de meia estrela na Rua da Alegria. “Ainda bem que tirámos as fotografias lá em cima”, disparei para quebrar o gelo e exorcizar o desconforto que o espaço quase fantasmagórico e frio me causou. “Sim, mas se quiser tirar mais fotos”, respondeu o cantor ao fotógrafo, num efeito colateral impossível de anual, irremediável e imprevisível. Com a responsável da editora a recordar a agenda do dia (almoço, entrevistas, rádio, etc). Aguardei pelo meu tempo de antena, enquanto olhava de soislaio para os decrépitos posters que ameçavam finalmente, após décadas de opressão, sair das paredes às dezenas. Lembrei-me do filme "Aliens".
O mote da conversa deveria ser a edição e o sucesso instantâneo do supracitado “Amor Sem Limite”, uma nutritiva dúzia de temas extraídos da obra de Roberto Carlos. Não ouvi o disco, confesso. Mas tenho uma boa desculpa. O jornalista que estava agendado para fazer a entrevista e que ficou com o CD teve uma súbita crise nos rins e antes que eu lhe seguisse o exemplo, acabei pelo azar de uma moeda ao ar por ficar com o “serviço”. Mas, se soubesse o que sei hoje teria regateado até ao meu último cêntimo, hipotecado tudo o que tenho e contraído algumas dívidas se necessário fosse para poder realizar a entrevista que segue dentro de momentos…
(to be continued)

The Gift: AM/FM

Uma semana volvida sobre a desilusão “How To Dismantle An Atomic Bomb”, que muito sinceramente considero um dos piores álbuns dos U2 - conservador, previsível e pouco arriscado - tive a sorte de apanhar ontem, logo no dia de lançamento, o mais recente trabalho dos The Gift. Em formato duplo, “AM/FM” não só percorre os interessantes trilhos sonoros abertos em 2001 através do projecto conceptual “Film”, sobretudo na exploração inteligente dos metais e nas orquestrações desenhadas com sentido estético coerente sobre a base electrónica, como também evita erros do passado, como a sobreposição das vocalizações de Nuno Gonçalves em borboletas que nunca deveriam ter levantado voo. O registo apresenta-se como um trabalho notável, consistente, criativo e de uma produção invulgar, resistente e coesa. Sem criar rupturas desnecessárias, expande a plasticidade orgânica e aromática da banda, conduzindo-a por caminhos ainda mais seguros da electrónica devidamente equilibrada com harpas e metais.
De AM, o primeiro CD desenhado sobre um plano ambiental mais denso, soturno, misterioso, a roçar o romântico, destaque para “Are You Near”, melodia simples, com uma textura recheada de pequenos samples que navegam sobre uma guitarra eléctrica tão serena quanto envolvente. “Wallpaper” confirma a importância das orquestrações enquanto elementos sonoros que possibilitam uma urgente ampliação da gramática atmosférica dos temas de suporte rítmico digital, não raras vezes tão limitados a meras caricaturas musicais, uma das doenças mais frequentes no deficitário e subdesenvolvido hip-hop nacional
Em FM ressurge a alegria de outras primaveras. Soltam-se os agúdos de Sónia Tavares, pintam-se quadros de uma magia e felicidade sempre possíveis. Mais dançável, lembra Vinyl (1998) mas serve-se mais quente e com uma rotação bem superior. Testados em concertos de 2003, “Driving You Slow” e “Music” são duas presenças mais do que previsíveis obrigatórias. Enquanto, o cocktail “11.33” parte do soul e r&b, num piscar de olhos ao mercado norte-americano, abrindo-se num exotismo rítmico artificial que roça uma tímida e indesejável latinidade, autodestruíndo-se em seguida, num dos piores momentos do registo, “Cube” retoma o ponto de partida mais harmónico e jazzy, lançando pistas de leitura base para um segundo disco recheado de excelentes vocalizações e rítmos digitais que encontram em “An Answer”, o momento pop mais superlativo.
Aguardo para breve uma passagem do colectivo aqui pelo Porto para analisar a adaptação e a proposta visual “live” de "AM/FM". Apesar de considerar a independência e tenacidade as maiores e mais perigososas virtudes da banda de Alcobaça, sobretudo tendo em conta o desgaste de energia nas digressões pelos EUA e Espanha, os The Gift continuam a ser um dos mais interessantes exemplos do como o sucesso se contrói não nos concursos de televisão, mais com talento, sangue, suor e muito trabalho. Quando passou pelo Hard Club tive a oportunidade de conversar com Sónia Tavares e de comprovar como o colectivo, então a caminho de Austin, Texas, se encontrava exausto, mas sempre disposto a ir mais longe, a desbravar caminho. "Temos de acreditar em nós", dizia-me então a vocalista. No entanto, sinto que também é necessário ao projecto encontrar algumas bolsas de ar, pois a exaustão também pode ser fatal. Esse, na minha opinião, é um dos grande desafios e problemas de uma banda que necessita urgentemente de equilibrar a ambição com o "self control" e aprender a delegar alguma da responsabilidade do um destino criativo e experiêncial a terceiros competentes e capazes de conduzirem o colectivo a outros portos.

 

Titanic atraca no Porto

O dinamismo cultural da Câmara Municipal do Porto não pára de surpreender. O executivo liderado por Rui Rio, autarca celebrizado com histórica afirmação “cada vez que me falam de cultura saco logo a calculadora”, prepara-se agora para meter ainda mais água e afundar de vez com a cultura, trazendo o Titanic para o Porto. Não se trata de uma metáfora. Na próxima sexta-feira, a exposição importada de Barcelona sobre o célebre navio atraca no Mercado Ferreira Borges, com Rui Rio a presidir à inauguração agendada para as 17h00. É a resposta mais do que merecida da autarquia ao sucesso do Museu de Serralves. Segundo dados da divulgados pela edilidade e confirmados pela produtora catalã, nos três meses em que ocupou o Museu Marítimo de Barcelona, a exposição Titanic recebeu 150 mil visitantes. Por ironia do destino, as pinturas de Paula Rêgo conheceram no primeiro mês 50 mil visitas. Por isso, não espanta a feliz comparação, entre exposições-chocolate. A relevância dos eventos, quer se goste ou não, é medida acima de tudo pelo seu impacto junto do público/eleitor. António Sousa Lemos, o recém nomeado vereador da Cultura - que logo na primeira entrevista à imprensa não quis ficar atrás de Rio, inscreveu, desde logo, o seu nome nas páginas do pragmatismo político da autarquia como a frase-título: “a minha falta de ligações à cultura até pode ser uma vantagem” - foi ainda mais longe ao afirmar, na sexta-feira, que a exposição Titanic “enquadra-se na lógica de animação cultural da cidade”, qualificando o evento como “uma forma divertida de contar um facto histórico”.
Criada pela, no mínimo duvidosa, “Titanic Centenary 2012”, empresa sedeada em Barcelona e presidida pelo ex-animador de rádio, Jesús Ferreiro, a exposição que pretende levantar o astral do Porto e introduzir centenas de miúdos das escolas básicas da cidade no maravilhoso mundo das tragédias da navegação comercial, abrindo assim os horizontes culturais dos pequenos estudantes a um nível nunca dantes imaginado. Pretende ser, “uma viagem, sobretudo emocional”, sintetiza o produtor, Jesús Ferreiro. Em apenas 1800 metros quadrados, a companhia espanhola promete trazer até ao Ferreira Borges, blocos de gelo, reproduções dos camarotes do Titanic e milhares de objectos pertencentes ao navio, de fotografias a documentos de bordo, de alianças de casamento dos defuntos a jóias recuperadas das profundezas do oceano. Tudo e mais alguma coisa. Só falta mesmo trazerem os fantasmas ultracongelados ou na pior das hipóteses, o boneco Leonardo di Caprio a gritar, com voz metálica: “yo soy el rey del mundo… yo soy el rey del mundo”). Certo é que até 20 de Março, o circo Titanic está na cidade, mostrando como dos destroços do passado se constrói a lucrativa cultura de presente.

AMIarte

A Delegação Norte da Fundação AMI (Assistência Médica Internacional) está de parabéns. Para além do exímio trabalho diário no apoio social aos mais carenciados, encontrou uma forma inovadora de angariação de fundos: a Arte. A AMIarte, estrutura criada com o objectivo de promover e sensibilizar o público para o trabalho da Fundação, aproveita o 20º aniversário da AMI e celebra com dois espectáculos criados de raiz: um Recital de Música e um Ciclo de Cinema. A receita de bilheteira é inteiramente direccionada para a construção do Abrigo do Porto, junto à sua Delegação do Porto (Rua da Lomba, 153). Depois do fantástico êxito das "Transgressões Poéticas", da última segunda-feira no Bar Labirintho, no Porto, (ler post AMIarte: Amor no Labirintho) é a vez do Auditório Engº António de Almeida receber o pianista romeno Konstantin Sandu no dia 16 de Dezembro. De salientar também a qualidade dos filmes que passam no I Ciclo de Cinema "Solidariedade AMI" de 10 a 17 de Dezembro, na Casa das Artes. Apenas para aguçar a boca de alguns cinéfilos: O Quadro Negro, de Samira Makhmalbaf, Uma Mulher sob Influência, de John Cassavettes, Dogville, de Lars von Trier, Ponette, de Jacques Doillon e muitos outros... Esperamos a lotação esgotada das salas. Para isso, agradecemos a divulgação de todos. Oportunamente daremos mais detalhes...

Coliseu do Porto oferece o pior da música brasileira

Com uma programação cada vez mais afastada das grandes digressões mundiais do planeta rock/pop (a última foi em Julho de 2002, com os Radiohead em dose tripla) e cada vez mais próxima das festas paroquiais e dos aniversários "pimba" desta ou daquela rádio para taxista e dona de casa ouvir, o Coliseu do Porto sobrevive entre bailados russos de qualidade duvidosa e o pior da música brasileira. Só neste mês de Novembro, o público do norte teve mesmo de apanhar com três artistas menores vindos outro lado do Atlântico, entre uma Ivette Sangalo e um Alexandre Pires, sobrou uma Maria Rita sobrevalorizada, exausta e sem nada de novo para apresentar. Volvida quase uma década sobre a conquista de uma das mais emblemáticas salas de espectáculos do Porto à IURD, fica a ideia de que o resultado actual arrisca-se a não compensar o esforço do passado recente. Se Maria Rita está para Alexandre Pires como Dulce Pontes para Tony Carrera, é verdade que tentei fugir à primeira, mas por motivos profissionais e de karma, vi-me obrigado a assistir ao "show" deste último, pagando assim por alguns excessos e pecados que cometi na juventude. A experiência de quase duas horas a ouvir Alexandre Pires revelou-se tão dolorosa quanto agónica, a roçar um terrorismo cultural situado algures entre a telenovela brejeira "made in Brasil" e a festa popular no bairro da Tijuca ou do Aleixo, na melhor das hipóteses.
Com um Coliseu transformado numa espécie de convenção de casas de alterne e encontro distrial de gunas brasileiros, foi aos perfumes da feira de Custóias e aos sotaques do nordeste brasileiro que a invicta casa de espectáculos ficou entregue na noite de quarta-feira. O palco transformado numa discoteca de subúrbio apresentava lençóis pretos e brancos em "background" a combinar numa sintonia desconcertante de mau gosto com a camisa branca colada ao tronco musculado e as calças de couro negras do artista de Minas Gerais. Depois de perto de duas horas de terapia de choque, durante as quais o ex-vocalista dos Só Para Contrariar encantou uma multidão de compatriotas com refrões reveladores de uma inteligência e amplitude gramatical tão singular como "amo você, meu amor" ou numa dedicatória a Roberto Carlos "amei errado, pisei na bola", o artista acabou, finalmente, o espectáculo abençoando a "galera" em nome de N.S. da Aparecida e S. N. de Fátima, pedindo aos fãs - e aqui vem a grande novidade da noite, que revela, desde logo, a elevada consideração intelectual que o cantor tem pelos seus seguidores - para não se esquecerem de que "o natal é o nascimento de Jesus". Para quê impedir a IURD de se transformar o Coliseu num "McDonald´s" da fé, quando do outro lado do Atlântico nos chegam pastores vestidos com pele de intérpretes de música popular brasileira. Que regresse ao Porto, mesmo a cantar em inglês, Caetano Veloso, que infelizmente este ano ficou-se por Lisboa, ou na pior da hipóteses, uma cada vez mais infantil e comercial Adriana Calcanhoto. Enquanto, do outro lado do Atlântico não aterrar qualquer novidade, eu insisto em ouvir "Elis & Tom", por teimosia e paixão. Lamentável é que, num país invulgarmente abençoado por inúmeros talentos musicais, a Portugal e ao Porto, em particular, só cheguem sobretudo exemplos que manifestamente transmitem uma imagem redutora da verdadeira e superlativa fescura da música e da cultura brasileiras.

a mais pequena luz penetra o mais duro coração... 

AMIarte: Amor no Labirintho

Quando os sentimentos são belos encontram-se em noites de beleza mágica.
Foi no Bar Labirintho. Primeiro falei com o Zé Carlos, (o Tinoco) que ficou encantado. Convidei-o a visitar a Delegação Norte da AMI (Assistência Médica Internacional), ele aceitou e aí surgiram logo mil ideias para o projecto AMIarte. Bom, depois surgiu o encontro com o Filipe (d'O Contador de Histórias). Pelo telefone ficou claro que há almas que têm que se encontrar um dia e ficarão firmemente unidas. O auge foi mesmo naquela segunda-feira fria, fria no Labirintho. Contrariamente ao habitual, havia consumo obrigatório (claro, o propósito é angariar fundos para a AMI, tirar os Sem Abrigo da rua, dar-lhes roupa, alimentos, calor humano... e para isto a boa-vontade também se constroi com dinheiro, a ingenuidade fica para os loucos!...) O jantar no Triplex foi muito bom; ao sabor dos alimentos juntava-se a alegria de um projecto solidário. A seguir o Labirintho. Os pequenos detalhes da luz, o som, a melhor maneira de distribuir as revistas da AMI, o que se deveria dizer à porta ... A seguir foi esperar ... Os primeiros clientes entravam com a revista na mão, um sorriso tímido e olhar expectante. Depois, pareciam aparecer aos magotes, muitos, muitos até não haver espaço sentado. Começaram a preencher todos os sítios livres onde um desnível pudesse servir de suporte. A escadaria estava bonita enfeitada pelas raparigas sorridentes. As bebidas começaram a circular. À porta, eu aconselhei "quanto mais consumirem, mais oferecem à AMI..." "Que bom, então hoje quero-me embebedar", dizia um jovem com ar traquina. As 23 horas chegaram. Esperamos ainda um pouco mais. O Zé Carlos um pouco nervoso. O Filipe a precisar de um café duplo "é sempre assim, preciso de um café duplo e de reler tudo outra vez, embora tenha a certeza que conheço o Príncipe Feliz de cor e salteado" Oscar Wilde vinha mesmo a calhar. Nem de encomenda. A solidariedade para com os socialmente não aceites...
Começou. A música parou. A voz quente do Zé Carlos inaugurou a noite. Apresentou o projecto AMIarte (um pequeno núcleo do Porto que coloca a Arte ao serviço da AMI), a seguir apresentou o Filipe Lopes e começou. A noite abriu com o conto de Oscar Wilde. A estátua do Príncipe Feliz com o coração partido e a andorinha morta aos pés. Os dois corações fundidos na brasa do Amor, da Compaixão (sinónimos para quem possui elevação de alma). Tal como anunciado, o Filipe não leu o conto, nem o dramatizou. Sem leitura nem dramatização, mas uma síntese, uma simibiose de sentimentos que contagiam, se entranham e rasgam véus da indiferença. As lágrimas do público não manifestavam emoções fugazes de melodramatismo, mas simbolizavam as pérolas e rubis arrancados da estátua para dar de comer ao povo da Terra do Príncipe Feliz, eram jóias mais preciosas que as de qualquer reino ou Estado, as lágrimas que correram na noite de segunda-feira no Labirintho era as jóias do sentimento da Compaixão (ou Amor). O Juca manipulou sentimentos com a mesma destreza com que manipula as teclas, ora Paso Doble, ora Tocata e Fuga de Bach, para se transformar em samba e acabar em lamento de jazz. Os aplausos eram sinceros. O Filipe olhava para mim "O que é que faço agora?", perguntou-me; "Não trouxeste poemas? Lê alguns poemas", aconselhei. E o Zé Carlos anunciava os poemas do Filipe. Pablo de Neruda, Álvaro de Campos, José Régio, Filipa Leal... alternadamente O Zé Carlos e o Filipe gritavam, gemiam, choravam os versos arrebatando a audiência. Ninguém queria arredar pé. A magia da noite sobrepunha-se ao cansaço. No fim, todos nos abraçávamos e beijávamos. Correra bem esta primeira experiência. Primeira de muitas, comprometeram-se ambos publicamente na despedida. Aplausos para eles, aplausos para o trabalho do grupo AMIarte, aplausos para o público que aderiu e participou neste projecto ambicioso de mostrar ao mundo que a solidariedade e o amor existem.
Escrito por isabel de http://isabelbodhisattva.blogs.sapo.pt/

 

Especial U2: como transformar limões gigantes em bombas atómicas

Bono encontra-se frequentemente com Paul McGuinness para lanchar e discutir a estratégia para melhor desmantelar a próxima bomba discográfica. Na mansão do manager dos U2 em Annamoe, a uma hora a Sul de Dublin, ambos falam de alinhamentos, partilham ideias e croissants. Após 11 milhões de cópias vendidas de "All That You Can´t Leave Behind" e de 104 milhões de dólares arrecadados com a "Elevation Tour", é tempo de arregaçar as mangas de veludo para preparar mais um assalto às princípais tabelas de vendas de discos (Reino Unido e EUA), colocar mais um álbum no sapatinho de milhares de melómanos e agendar mais uma viagem à volta do mundo. O disco sai a partir das próximas 12 badaladas, a digressão arranca, do outro lado do Atlântico, a 1 de Março, em Miami. Entretanto, nada pode ficar ao acaso, os U2 competem na "premier league" das melhores bandas do planeta, rivalizando com monstros do rock como Rolling Stones ou Metallica. É necessário estar atento às movimentações da concorrência e saber, antecipandamente, quando e onde é que os adversários vão atacar com editações e digressões. Em Inglaterra, Eminen já está fora da corrida. Bastou lançar "Vertigo".
Milhares de "bloody sundays" depois, o quarteto de Dublin apresenta nesta segunda-feira em todo o mundo o 11º álbum de estúdio. Para a mais famosa, bem sucedida e mediática banda irlandesa do planeta rock, "How To Dismantle An Atomic Bomb" não pode ser um simples CD com 11 faixas, tem mesmo de se afirmar como um produto de cultura transversal, capaz de encantar o adolescente de Detroit e, simultaneamente, despertar a curiosidade do adulto residente em Moscovo. As letras não devem ser muito complicadas, nem os temas demasiado longos. O design deve ser reconhecível a pelo menos 100 metros a partir de qualquer prateleira nas lojas de discos de todo o mundo. O single "Vertigo" é desde logo sinal da excelente estratégia comercial por detrás registo. As palavras são curtas, multiculturais, compreensíveis por japoneses e argentinos. Bono grita "Hello, Hello" e do outro lado do mundo toda a gente atende e entende do que se trata. O single já desbravou, desde dia 8, o caminho do sucesso, trepando as tabelas de vendas no Reino Unido e tirando Eminen da "pole position" das ofertas natalícias. Mas nem tudo foram rosas para os autores de "Pop" no fabrico desta bomba. A começar desde logo com a mudança de produtor, deitando para o lixo um ano de trabalho; passando pela indefinição do alinhamento e terminando na pirataria on-line, que, no início deste mês, quase adiou o lançamento do CD. Com o Natal à porta seria um desastre e meio, com efeitos colaterais na Universal e Island Records incalculáveis. Apesar do susto, a data manteve-se e a partir da meia-noite meio mundo pára para desmantelar a mais recente bomba irlandesa.
Espremidos até à última gota os limões gigantes de "Achtung Baby" e "Pop" , os U2 parece que ainda não encontraram aquilo que tanto procuram. Para sobreviver no novo milénio, o colectivo reinventou-se nas origens rock dos domingos sangrentos dos anos 80 com "All That You Can´t Leave Behind". Num exercício funambulista, a banda recuperou o público adulto de "War" e os "teenagers" de "Pop". Nada se perde tudo se transforma. "How To Dismantle An Atomic Bomb" é um passo em frente de "All the Things..." em direcção ao universo "Boy", mas sem a americanização de "Joshua Tree". Mais riffs, menos política, mais bombas, menos limões, mais rock, menos pop. O título remete para a violência e a paranóia do terrorismo, sonhos de paz, mas sem fragmentar públicos com desnecessários manifestos políticos. A música serve-se simples, quente, pronta a conquistar meio-mundo e a reclamar para os U2 o trono de melhor banda rock do mundo.
Gerados e criados em Dublin no Outono de 1976, os U2 conhecem-se a partir de um anúncio colocado pelo adolescente com 14 anos, Larry Muller, nas paredes da escola secundária, procurando músicos para formar uma banda. Paul Hewson (Bono), David Evans (the Edge), Adam Clayton e Dick Evans respondem ao apelo e formam os Feedback, uma banda de acólitos rock que se limita a tocar versões dos Beatles e Rolling Stones. Rebaptizada, em 1977, de Hype, e finalmente, depois da saída de Dick Evans para fundar os Virgen Prunes, a banda recebe o nome definitivo de U2.
O primeiro concerto surge em 1978, num concurso de talentos, na Dublin natal. Os U2 ficam em primeiro lugar e conquistam, desde logo, a atenção de Paul McGuiness, então manager dos Stranglers. No Outono do ano seguinte, os miúdos editam na Irlanda, pela CBS, o EP "Three". A digressão por Inglaterra é desastrosa. Com single "Another Day" abrem-se mais portas e acabam por assinar pela Island. Em 1980, editam "Boy" com produção a cargo de Steve Lillywhite (mesmo de "How To Dismantle"). Finalmente, conquistam a tabela de vendas do Reino Unido, ficando num interessante 11º lugar. Os singles "I Will Follow" e "Gloria" começam a abrir terreno nos EUA através da MTV. Na Primavera de 1983 "War" fica em 12º na tabela de vendas dos EUA, com "New Year´s Day" e "Sunday Bloody Sunday" em destaque, ambos os temas elevam o EP "Under a Blood Red Sky" ao 2ª posto no Reino Unido. Depois de conquistada a terra de Sua Majestade, a "pole position" nos EUA não resiste a "Joshua Tree" (1987). O sucesso é tal que nasce o projecto audiovisual "Rattle and Hum". O CDs, bandeiras, camisas e o filme esgotam comercial e criativamene a banda que atinge o ponto de ruptura. A separação parece inevitável. Os U2 são praticamente dados como mortos.
No entanto, contra todas as expectativas, segue-se o milagre da ressurreição na Berlim de Brian Eno, em 1990. Os U2 reinventam-se com "Achtung Baby". Misturam Bowie dos anos 70 com a cena electrónica de Manchester e encontram uma nova identidade, novamente explorada até ao limite do suportável em megadigessões que marcaram uma nova forma de entertenimento. Pude experimentar essa droga chamada Zoo-TV em Alvadade. Depois dessa experiência, a minha noção de concerto ficou irremediavelmente alterada. Os efeitos secundários marcaram toda uma geração.
Esgotada a "electro" com o fracasso de "Pop", os U2 encontram-se novamente num beco sem saída. A solução foi fazer marcha a trás e regressar às origens. Primeiro ensaio, 2000, com "All That You Can´t Leave.." tirou a temperatura, apalpou o terreno, segue-se o recuo mais desinibido e passional com "How To Dismantle An Atomic Bomb" à venda a partir da meia-noite numa discoteca perto de si.

 

MoMA reabre as portas

É um dos acontecimentos mais aguardados e relevantes do ano a atingir no universo da arte e que a imprensa portuguesa praticamente ignorou. O MoMA reabriu hoje as portas. Dois anos e meio e 850 milhões de dólares depois, um dos mais importantes museus de arte moderna do mundo domina agora Manhattan, situando-se entre 53ª e 54ª avenidas. As obras de remodelação a cargo do arquitecto japonês Yoshio Taniguchi conseguiram expandir o MoMA em mais de 50 por cento do seu espaço original (37,500 metros quadrados). O museu espera agora receber um milhão de visitantes por ano. Os bilhetes custam desde 17 euros/2 horas a 37 euros/24 horas.
O MoMA tem uma das maiores e mais representativas colecções de arte moderna do mundo, com um acervo com mais de 100 mil quadros, esculturas, desenhos e maquetes de arquitectura (algumas das quais já passaram por Serralves); 14 mil filmes; mais de 200 mil livros e publicações. É a meca de qualquer artista, curador, galerista ou simples apaixonado pela arte e agora ao reabrir as portas vai sem dúvida recentrar o mundo da arte novamente em Nova Iorque. Recorde-se que a primeira exposição do MoMA realizou-se em 1929 e centrou-se em Cézanne, Gauguin, Seurat e Van Gogh, uma opção relacionada com tentativa de situar as raizes da arte moderna no pós-Impressionismo.
Infelizmente, uma notícia tão importante para o universo da arte acabou mesmo por passar completamente desapercebida nos meios de comunicação social portugueses. Lamentável no mínimo...

Repórter Estrábico no Rivoli

Acabo de regressar a casa vindo directamente do pouco divulgado concerto dos Repórter Estrábico (RP), no mais do que improvável, inadequado, Café Concerto do Rivoli. Não passei pela casa de partida nem recebi dois contos, mas tive tempo para "profundamente desinquietado - arreliado até - com a blitragem impune e emergente", encontrar na actuação dos RP um "Requiem" oportuno com alguns momentos de eurosátira urgentes, desde logo, para agitar o marasmo em que se encontra a música feita em Portugal - actualmente sustentada artificalmente pela nova vaga de fadistas, sobre os quais lanço, desde já, as minhas mais fortes reservas, pois ainda estão por determinar, a médio prazo, pelo menos, as consequências da subtracção de alguma poesia, enquanto âmago da música sacrossanta de Amália e respectivos diáconos. Uma desconfiança que alargo desde já à hospitalidade lusa a fenómenos como Maria Rita, que amanhã ocupa, novamente, o Coliseu do Porto, sem trazer nada de novo na bagagem e com uma digressão de fazer inveja a muito boa gente.
De regresso ao Rivoli, a trupe subversiva de Luciano Barbosa revelou-se um projecto "cristalizado musicalmente", embora pertinente e mordaz na proposta "Eurovisão". Já tinha escutado em atenção o registo 2004 dos RP e, tal como no concerto, a dicotomia entre o meio e a mensagem acaba, infelizmente, por remeter o colectivo ao insucesso. Dos temas frescos apresentados em versão "live", destaque tão natural como evidente para "Arrumador", uma crónica tóxico-social ao problema da droga nas grandes cidades, com os "moedinhas" a servirem de munição para um tiro certeiro em direcção a Paulo Morais que ainda não se demitiu da Câmara do Porto. "Tens em mim um sujeito competente/capaz de lidar com toda a gente/nem pró caldo eu faço uma pausa/quando estou angriando para a causa."
Vestido de forcado, Líder apresentou-se, desde logo, disposto a dar o corpo ao manifesto, desde que "não me proíbam de fumar o meu SG Viltro com pesticidas". Sem tempo para nicotina, "Biltre" fez da sátira uma arma de destruição política. "Portugal não está de tanga, está de fio dental" (ver foto do álbum). Gritos "fascista, fascista", com apoio VJ de Paulo Américo a projectar, imagine-se, nas paredes no Rivoli Teatro Municipal, imagens de Santana, Durão & companhia. Provavelmente, o momento mais alto de todo o concerto. Ironia, sarcasmo e mensagens tão subliminares quanto subversivas. A recuperação de "MamaPapa" com apoio visual extraído via clip conseguiu ainda sustentar uma agitação distante de se concretizar, apesar dos apelos ao "mosh" do Líder.
"Velcro", versão rock de "Pump the Jam" e o delírio samplesco de "Eurovisão", com "The Final Count Down", dos Europe incluído, antecederam um longo encore de quatro temas. Apesar de toda a pertinência do projecto "Eurovisão", tendo em conta o contexto político actual e um referendo à constituição europeia que irá bater todos os recordes de abstenção, a versão "live", em 2004, revela as fragilidades sonoras de um projecto que, recusando a inclusão de um baterista, não encontra no suporte rítmico da "drum-machine" uma plasticidade sonora capaz de construir um edifício musical consistente, seguro, atractivo. Triunfa uma postura em palco e um cuidado cénico de Luciano Barbosa invulgar pela inteligência e profissionalismo, mas que infelizmente se revela insuficiente para fazer passar a mensagem ao grande auditório.

 

A Alemanha austera, depressiva e sombria gela PoNTI

Hoje tive a oportunidade de entrar em contacto com a mais recente proposta teatral a atingir o PoNTI. O pertencioso e desisteressante, Thomas Bischoff encena pela primeira vez fora da Alemanha a peça "Gertrud", de Einar Schleef. O resultado é um tiro no escuro. No entanto, o PoNTI´04 aceitou o desafio e, infelizmente, acolhe até domingo, no Teatro Helena Sá e Costa, um trabalho dramatúrgico formalmente muito conservador, bastante depressivo e marcadamente austero, baseado no primado rítmico da palavra agónica de Schleef sobre o movimento, a salvação, a mudança. Num cenário impessoal, frio, desprovido de adereços - algures entre o manicómio, o lar da terceira idade ou a prisão - ecoa um extenso monólogo no feminimo, a duas vozes, que revisita as dores existenciais e a angústia da memória de Gertrud, uma idosa abandonada pelos dois filhos e pela morte recente do marido. Se a legendagem falhar, todo o espectáculo cai por terra. O próprio Bischoff, considerado na Alemanha como "o congelador" pela rigidez formal, confessa que a base de todo o seu trabalho e a gênese do fascínio pelos textos de Schleef "é a plasticidade da palavra". Algo dificilmente traduzível para a língua portuguesa.
Antecipando a estreia de hoje a noite, o encenador salientou ainda, "a importância da componente histórica do texto", que segundo Bichoff "é um dos trabalhos mais singulares da dramaturgia alemã sobre o conflito entre as duas repúblicas". Importa recordar que a obra foi escrita no início dos anos 80, refletindo, desde logo, uma Alemanha em ruínas, dividida, humilhada e complexada com a derrota e a barbárie da II Guerra Mundial.
A sexagenária, evocativa da mãe do escritor, "representa toda uma geração de mulheres que sobreviveram na Alemanha desde a Grande Guerra", contextualiza o encenador. A divisão Oriente-Ociente, a perda de identidade, o orgulho ferido, a irreversibilidade da história, o peso da culpa são debitados em frases curtas, duras, velozes, paranóicas, cansativas.
Num ano em que o PoNTI aceita a conveniência orçamental e se transfigura no Festival da União dos Teatros da Europa (UTE), trazer ao Porto a Dusseldorfer Schauspielhaus, mais do que o "gesto politicamente correcto" de acolher uma companhia associada à UTE, é sobretudo uma aposta inconsequente, triste, conservadora e arriscada, tendo em conta a idiossincrasia, não só da obra de Schleef, como também da aborgadem cénica de Bischoff. Uma peça a evitar que certamente irá gelar o PoNTI.

Debate: Instrumentos musicais e IVA

Hoje tive a oportunidade de ir à Fnac de Stª Catarina assitir a um intitulado "debate" centrado no IVA e instrumentos musicais. Qualquer espaço de reflexão foi prontamente anulado por um painel de convidados, escolhidos como patrocinadores do concurso-desafio da Rockmusic, pouco ou nada interessados em alterar o "status quo" do mercado. Para Renato Gomes, representante da Fender Ibérica, em Espanha é que se está bem, pois os instrumentos sofrem apenas 16 por cento de IVA, em Portugal é uma vergonha ter livros a 5; guitarras e CD a 19. Toda a gente de acordo. É só transformar Sampaio e Santana em cruzados, enviá-los numa nau para o norte de África, esperar que desapareçam e que sejamos novamente governados pelos nuestros hermanos "filipes", mas desta vez equipados pelo el Corte Inglés.
Empenhado em animar o "debate", Ricardo Dias, da loja Rockmusic, confessou que o pessoal ligado ao sector de música (vendedores, importadores, músicos, editoras, etc) tinha era de se juntar para alterar o estado das coisas, fazer pressão, barulho qualquer coisa. De acordo. No entanto, à pergunda atirada para a mesa: então por que é que não se juntam e fazem qualquer coisa? Estão à espera do quê? Depois de muitas hesitações e alguns desvios, a resposta do lojista foi tão lacónica quanto desconcertante: "porque existe muito comodismo, sobretudo na geração mais velha". Ficámos a saber que a questão do IVA é desde logo um problema geracional.
Na verdade, o OE para 2005 não prevê qualquer mudança ao nível das taxas de IVA para os instrumentos musicais, e pelos vistos, se depender do sector de venda, importação ou revenda, não será de prever grandes alterações pelo menos enquanto a "geração mais velha" continuar a reinar. Até por que, no final das contas, quem paga a factura é mesmo o consumidor. E quando digo consumidor estou a referir os pais do jovem adolescente que está a começar a tocar e quer fazer uma banda na garagem mais próxima e não aos "ruis velosos" nem aos "pedros abrunhosas". Mas esses, os consumidores, fétichistas ou não, estranhamente ficaram do outro lado da mesa a ouvir palermices...

 

"O Rei Está a Morrer" no PoNTI´04

Após a estreia em Janeiro, na capital espanhola e da subsequente digressão nacional, que recolheu aplausos da crítica e público por todo o país, a encenação de José Luis Gómez, pelo Teatro de La Abadía, do texto "O Rei Está a Morrer", de Eugène Ionesco, conhece nos próximos três dias no palco do Teatro Nacional de S. João (TNSJ), inserido no PoNTI'04, o fim de uma existência feliz, plena de consequentes, urgentes e importantes reflexões sobre a consciência a partir da morte, enquanto situação limite e absurda do ser humano, sobretudo no contexto da cultura ocidental impregnada de conceitos judaico-cristãos nem sempre esclarecidos.
Em "O Rei Está a Morrer", Berenguer, a figura omnipresente nos textos de Ionesco, é atingido, a meio de uma festa, por um ataque cardíaco, ficando às portas da morte. A consciência de que não passa de um simples mortal, impotente perante as leis de transformação comuns a todo o universo, atinge-lhe a mente com uma violência proporcional ao tamanho do seu ego. Do choque nasce a negação geradora de ilusões e delírios a roçar o surreal. Imagina-se um Rei. Luta contra a morte. Encontra na primeira mulher, Rainha Margarita, uma espécie de guia tibetana que o orienta numa viagem mais do espiritual, profundamente humana rumo consciência plena, vazia de ilusões, preenchida de vacuidade.
Para o encenador, que ontem à tarde se encontrou no TNSJ a prepara a última série de três representações, o texto de Ionesco "é a mais importante obra dramática alguma vez escrita sobre a morte". Colocando de lado as didascálias e uma série de anacronimos, a abordagem da companhia espanhola centrou-se, sobretudo, nos aspectos mais contemporâneos da obra, tentando enfatizar o drama pessoal e experiencial do protagonista e o facto "da morte estar mais perto de nós do que poderíamos à partida pensar". Dos aspectos mais siginificativos na construção do edifício conceptual e representativo da peça de Ionesco, José Luis Gómez destaca, desde logo, a união entre a poesia do escritor e textos extraídos da filosofia budista tibetana. "O final da obra - afirma o encenador - é quase uma transcrição de momentos fundamentais do "Livro Tibetano dos Mortos" (Bardo-Thödol). É o livro que mais informação tem sobre a morte ou o acto de morrer", salienta. A inflexão sobre o budismo, apesar do Bardo-Thödol não ser um livro propriamente para noviços, conduz, inevitavelmente, ao tema central da peça: a morte do ego. A forma como o ser humano se considera a si próprio, a importância que atribui a uma existência que, não raras vezes, se distancia da verdadeira consciência dos fenómenos. E este é precisamente um dos tema que actualmente me fascina cada vez mais, por razões, sinceramente não me atrevo ainda aqui a confessar.
Poesia, humor, drama, transcendência são alguns dos pontos fortes de uma peça que importa conhecer. Inserida, no contexto da programação do Teatro de La Abadia, no ciclo "Velhice, Morte e Poder" - uma triologia inaugurada com "Rei Lear" , de Shakespeare, e a encerrar com a encenção "Édipo em Colono", de Sófocles - a proposta que hoje sobe ao palco do TNJS promete atingir a mente e a consciência de muitos dos espectadores. Uma sugestão de teatro para quem tiver a sorte ou conhecimentos internos para conseguir uma entrada para "O Rei Está a Morrer".

 

Teatro: "Ratos e Homens", de Steinbeck

Estreia hoje noite na Sala Latino, anexa ao Teatro Sá da Bandeira, no Porto, a peça “Ratos e Homens”, de John Steinbeck. Uma viagem guiada ao âmago das ilusões do sonho americano, das promessas por cumprir, numa encenação de Fernando Moreira para a companhia Art´Imagem.
Dois homens, Lenny e George, deambulam pela América da Grande Depressão à procura de emprego. Acabam a trabalhar numa herdade, carregando caixotes de laranjas. Ambos perseguem o “american dream”. Ambos ambicionam um pedaço de terra, um espaço de liberdade, uma autonomia impossível de concretizar. As devastadoras e desumanas relações de poder entre a força trabalhadora e o capital, a problemática da emigração o e o triunfo antecipado das forças ecomómicas sobre o bem comum e a “res publica” são alguns dos conceitos analíticos possíveis na obra de Steinbeck. Volvidas mais de sete décadas, e tendo as eleições norte-americanas e a constituição europeia como pano de fundo da actualidade internacional, “Ratos e Homens” continuam a comer migalhas, a sonhar com dias de felizes de paz e a serem aniquilados por forças político-económicas cada vez mais poderosas que, colocando em causa a autonomia dos estados-nação, exploram o mundo como se de uma herdade norte-americana dos anos 30 se tratasse.
Para José Leitão, director da companhia que estreia hoje a sua 80ª representação – “depois de Paul Auster e David Mamet visitámos a América de Steinbek. Afinal três américas que são todas a mesma América. Uma América que se alimenta de mitos e promessas que nunca chegam a cumprir-se”. Já para Fernando Moreira, encenar “Ratos e Homens” foi a concretização de um sonho antigo. Um sonho alimentado pela força e actualidade simbólica dos personagens. “Muitos são imigrantes que partiram do México para a Califórnia à procura de trabalho e de uma vida melhor. É dessas pessoas que queria falar, pessoas que não se deixam ficar na crise, e de alguma maneira procuram trabalho num novo país, numa nova cidade, atravessando diariamente para o outro lado do rio”.
Com um interessante desenho de luz a cargo de Leuman Ordep sobre um cenário simples mas eficaz de Ricardo Preto e com um suporte musical inteligente e talentoso de Carlos Adolfo, a proposta “Ratos e Homens” que inaugura hoje uma temporada na Sala Latino até dia 19 de Dezembro, surge uma peça fundalmental, não só para conhecer a idiossincracia do autor do clássico “A Pérola”, como também para revisitar uma América superlativa, profunda, construída sobre a fome de liberdade e a utopia do sonho.
De realçar ainda que tendo em conta o importante trabalho que a delegação do Norte da AMI - Assistência Médica Internacional, e da AMIarte, em particular, têm vindo a desenvolver no universo dos sem-abrigo e na angriação de fundos através de eventos culturais para a construção do Abrigo Social, na freguesia portuense do Bonfim, a bilheira do espectáculo da próxima sexta-feira irá reverter em favor da referida fundação. “Um sinal de que não fazemos arte pela arte”, justifica José Leitão.

Caso RTP cheira a cunhas

A RTP tem um novo caso que promete, desde logo, agitar a cena política nacional e alimentar ainda mais o debate, até agora intencionalmente muito mal conduzido, sobre o poder político-ecomómico que se abate nas redacções dos meios de comunicação social, uma reflexão que repite tem passado ao lado dos verdadeiros temas. Mas regressando ao actualidade, segundo fontes próximas do canal de serviço público, que actualmente emite o programa 1, 2, 3 com a arrepiante Teresa Guilherme em horário nobre, na origem da tragédia está, como seria de esperar, uma tão tradicional cunha, uma das maiores armas da confiança e destruição política da adminstração pública e privada portuguesa que, na comunicação social caminha a grande velocidade para os padrões de desenvolvimento muito próximos dos países do terceiro mundo.
Na origem da hecatombe de ontem à tarde, que levou a demissão em bloco de toda a direcção de informação da RTP, está a ingerência do conselho de adminstração no concurso interno de selecção de candidatos a correspondentes no estrangeiro. Este processo é dirigido pela direcção de informação e presidido, naturalmente, por José Rodrigues dos Santos, que toma sobre si a tarefa de analisar as candidaturas e apresentar os nomes dos vencedores ao conselho de administração que normalmente se limita a dar luz verde. Ao que tudo indica, no concurso para correspondente da RTP em Madrid, o nome de Rosa Veloso ficou num modesto quarto lugar. Quando a direcção de informação viu a dita jornalista a ser destacada para a capital espanhola pediu no dia seguinte, quinta-feira, uma reunião com a adminstração do canal para saber qual o motivo da inesperada subida no ranking. Depois da segunda reunião de ontem, José Rodrigues dos Santos, não satisfeito com as respontas que naturalmente colocavam em causa o seu trabalho, bateu mesmo com a porta, levando consigo toda a direcção de informação (Judite de Sousa, Miguel Barroso, Manuel da Costa, Maria José Nunes e Carlos Daniel).
Entretanto, os partidos da oposição já exigiram uma audição parlamentar ao director de informação da RTP para que este esclareça de uma vez por todas as verdadeiras razões da sua demissão. Depois do caso Marcelo, o PSD parece que aprendeu a lição e aceita o jogo mas com uma pequena condição: não meterem Morais Sarmento ao barulho.
Será por isso de esperar mais agitação em S. Bento, com os bloquistas a falarem do controlo dos meios de comunicação social por parte de Morais Sarmento, elevado ao estatuto de novo Goebbels ao serviço do regime de Santana, e o PSD a repetir que pelo menos esta cunha é da exclusiva responsabilidade do conselho de adminstração da RTP e que o ministro desta vez não teve nada a ver com o favor.
Se não houver mais revelações hoje de tarde e se as alegada cunha se confirmar, trata-se de trazer para a praça pública um mal geral e recorrente das adminstrações públicas e privadas das empresas "made in Portugal". Para grande tristeza de quem teve a má sorte de nascer neste jardim à beira mar plantado, quinta onde o mérito e a competência são factores secundários para arranjar emprego e para construir uma carreira de sucesso. Infelizmente os jornalistas como os restantes concidadãos não escapam a esta tragédia de também eles sem portugueses.

Teatro: Carta à ministra da Cultura

A Plateia - Associação de Profissionais das Artes Cénicas, que reúne mais de 20 companhias e produtoras teatrais do Norte do país, escreveu ontem uma carta à ministra da Cultura, pedindo a esta corrija a "grave situação de injustiça e desinvestimento que representam o montante de financiamento e o número de projectos a apoiar anunciados na abertura do concurso a apoio sustentado à produção teatral na região norte", segundo fez saber a representante da Plateia Catarina Martins. Na realidade é escandaloso, não só o montante dos apoios previstos para esta região (que representa o investimento "per capita" mais baixo de todo o país), como também o facto do referido concurso limitar os apoios a apenas 18 das 25 projetos candidatos.
Assim, uma companhia do Norte tem a seu cargo cerca de 230 mil habitantes, enquanto a média nacional ronda os 130 mil. Lisboa, para não variar, fica no top das beneficiadas, assim existe uma estrutura teatral financiada pelo MC para cada 84 mil lisboetas. Se se acrescentar a este número, o facto das companhias do Norte receberem menos do que a maioria, o cenário fica ainda mais negro. Existem no concurso várias estruturas que vão receber montantes na ordem de meio milhão de euros, enquanto no Norte, a produtora que terá mais apoio ficará com cerca de metade desse valor e é caso único. As restantes ficam-se em média pelos 100 mil euros.
Apesar da ministra se orgulhar de ter mais 0,1 por cento do OE 2005 para a gastar na Cultura, fica a sensação de que a responsável entende que Portugal acaba algures entre os rios Mondego e o Douro e o resto ou é paisagem ou pertence à Xunta da Galiza...

 

Entrevista: João Canijo

Sendo "Noite Escura" um dos mais relevantes filmes portugueses de 2004 e uma das propostas cinematográficas mais arrojadas dos últimos anos, tomo a liberdade de partilhar parte de uma entrevista que tive a oportunidade de realizar com João Canijo, nas vésperas da estreia, na cidade de Porto. Depois do intenso "Ganhar a Vida", que confirmou Rita Blanco como uma das mais empenhadas e viscerais actrizes portuguesas, "Noite Escura" abre a porta para uma triologia dedicada ao Portugal profundo e sustentada, desde logo, com um elenco de luxo, com Beatriz Batarda, naturalmente, em grande plano.
Da conversa que tive com Canijo fica a ideia de uma realizador apostado em usar a sétima arte como observatório psicossociolígico de estado da nação e como arma arremesso contra o cinzentismo muitas vezes pseudo-intelectual e uma cultura das massas que, alimentada pelos média, transforma a informação em entretenimento, afogando o pensamento e a reflexão num primitivismo emocional e a roçar o populismo político. Não é de todo acidental que na exaustiva preparação para Noite Escura, Canijo tenha constatado que Portugal é o país europeu com maior densidade de casas de alterne. Ficam algunas das ideias centrais do filme vistas por um dos mais cativantes, talentosos e atentos cineastas portugueses.
-Como é que nasceu a ideia para este filme centrado nas atmosferas das casas de alterme?
-A ideia não começou pelo alterne. Começou pela Rita, Beatriz e pelos personagens gregos da peça que serve de base ao argumento, "Ifigénia em Aulis", de Eurípedes. Só depois é que andei à procura de um sítio no qual pudesse encaixar essa história. A ideia central foi mergulhar a tragédia na indiferença ou como diz Philip Roth, o triunfo da banalização sobre a tragédia.
-Mas essa vitória da banalização não acaba inevitavelmente por se converter numa tragédia?
-Sim, mas a tragédia é indiferente ao mundo que a rodeia, ninguém dá por ela. É como se não tivesse ocorrido. Essa era a ideia fundamental, afogar a tragédia na rotina de uma casa de alterne.
-Para conhecer essa rotina encetou um périplo por várias casas de alterne. Que aspectos o surpreenderam nessa experiência?
Foi um trabalho de preparação feito por mim e que demorou quase dois anos. Quando os actores entraram no projecto, eu já saiba os sítios que eles deveriam visitar.
-Fez uma espécie de roteiro...
-Exactamente. Esse roteiro foi feito a partir de visitar que fiz a casas de alterne do Minho ao Algarve.
- Ao todo quantas casas visitou?
Tenho uma ideia muito precisa. Foram no total: 85.
-Impressionou-o a dimensão do fenómeno?
-Já sabia que o Minho, em geral, e Braga, em particular tinham uma grande concentração. O que verifiquei foi que isso já não é bem verdade, pois com a aberura da A3, toda essa concentração transitou para a Galiza e Guimarães. Mas o que mais me impressionou foi saber que, não é só no Minho que existem muitas casas de alterne, mas por todo o país, acompanhando a densidade populacional de cada região. Verifiquei ainda outra coisa espantosa: Portugal é o país da Europa com maior densidade de casas de alterne por quilómetro quadrado.
-Como que é que reflete sobre esse surpresa?
-É uma reflexão interessante, pois dos países que conheço Portugal é concerteza onde se fala mais de sexo e que tem, simultaneamente, mais dificuldades de relacionamento com o sexo. Essas dificuldades relacionais têm muito a ver com a noção de pecado. Basta ver que Portugal é um dos dois países europeus onde o aborto ainda continua a ser a ser proibido.
-Temos uma raíz cultural muito católica...
-E isso faz com que o sexo, em vez de ser encarado de forma natural, seja escondido e clandestino. Isso está, também, directamente ligado ao referendo sobre o aborto, no qual o "Não" venceu. De facto, quem venceu foi a abstenção, o que não deixa de ser significativo.
-Pode significar, entre outras coisas, que o "Sim" optou por ir à praia e não às urnas.
-Que não se assumiram. O que revela uma certa hipocrisia, muito típica aliás, não só das casas de alterne, como também dos próprios países católicos.
-Em "Noite Escura" existe uma hipocrisia, um jogo de fingimentos entre as profissionais da noite e os clientes que é transposto para a vida familar dos proprietários da casa de alterne. A fronteira entre a realidade e a ficção acaba por se diluir. As pessoas transformam-se nas personagens numa interpretação perpétua...
-Completamente. No filme, Celeste, que foi uma alternadeira de prestígio, já não consegue diferenciar a vida profissional da familiar. Beatriz Batarda disse a certa altura: "o mundo da noite é viciante". É-o precisamente no sentido em que as pessoas perdem a noção daquilo que são, da sua própria identidade.
-O filme começa em continuidade, apresentando uma cena, desde logo, dramática: a Beatriz Batarda, ao lavar o chão, encontra, com uma naturalidade desconcertante, uma prostituta degolada na casa de banho. O espectador fica com a sensação de ter chegado a meio do filme, que este já comecou e houve algo que ele perdeu, alguma coisa de importância capital...
-Essa é a ideia. Quando vê um quadro, a história já começou. Não me interessava explicar como é que as coisas começaram. Pretendia apanhá-las a meio. A ideia era partir do irremediável.
-Apesar de não ser um documentário, o filme acaba por ser um retato muito realista do Portugal profundo...
-Sim sem dúvida. É realista. O filme é tão realista que teve dois argumentos paralelos: a história da familia e as conversas das meninas da casa.
-Que surgem em "voz off".
-Em "off" por contingências de montagem. Todos os diálogos estavam em "in". O argumento final tinha duas colunas paralelas com diálogos da família e das meninas. A ideia era afogar a tragédia na rotina de uma casa de alterne. Todos os diálogos das meninas são reais, foram retirados do trabalho de preparação nas casas de alterne.
-Que noites tem projectadas para o futuro?
-Este filme é o primeiro de uma triologia baseada em peças gregas. O próximo será sobre o crime organizado. O terceiro sobre o Portugal profundo, tendo em conta o crime da Figueira, em Portimão e a família da Joana.

 

CSI e Arafat

Na noite de sexta-feira, deparei-me como uma notícia da Reuters que me chamou a atenção. Resumindo, podia ler-se que a CBS News tinha despedido o produtor responsável pela interrupção dos últimos cinco minutos da série policial CSI: NY com (imagine-se a ousadia) uma reportagem especial sobre a morte do líder palestiniano Yasser Arafat. Exactamente, o produtor achou por bem que a morte de uma figura com a importância e influência histórica de Arafat seria de alguma forma mais relevante para o público do que saber se os McGyvers do polícia forense de NY conseguiriam ou não desvendar mais um misterioso crime ocorrido algures na grande maçã. Puro engano. O génio da CBS acabou mesmo por ser despedido pela imperdoável incompetência de não entender os gostos e interesses dos telespectadores norte-americanos.
Mais ainda, a notícia do despedimento surge na sequência do pedido desculpas formal emitido pela própria CBS aos seus telespectadores pelo súbito corte na emissão do drama policial, uma das séries de maior audiência nas noites de quinta-feira, nos EUA. Registe-se ainda que as duas maiores rivais da CBS, NBC e ABC foram bem mais inteligentes e não interromperam a programação normal após a morte de Arafat.
Com este triunfo da ficção sobre a realidade, ultrapassando o mais aterradores dos pesadelos de Orwell, fica uma sugestão: contratar a equipe do CSI para descobrir as causas de morte do líder palestiniano e produzir num episódio especial a emitir a partir de França. CSI: Paris.

IA no Porto

Entre rumores políticos e algumas certezas jornalísticas ainda por confirmar, o Instituto das Artes (IA), dirigido por Paulo Cunha e Silva, uma das mais brilhantes estrelas da Porto 2001 contratadas pelo governo de Durão, irá ocupar parte do Centro Português de Fotografia (CPF), na Antiga Cadeia da Relação do Porto, abrindo assim uma espécie de delegação no Norte do IA. O facto de, quer Teresa Siza, pelo CPF, quer Paulo Cunha e Silva, pelo (IA), não poderem falar nem comentar o assunto, significa per si que a notícia avançada, nas muitas entrelinhas do discurso da ministra da cultura, na passada terça-feira, na Assembleia da República, tem, de facto, fundamento.
Resta saber se, com a Cultura a merecer os tristes 0,6 por cento do Orçamento de Estado para 2005 (mais 0.1 que no ano anterior), Maria João Bustorff não seguirá a mesma política "gueterrista" de Pedro Roseta: dialogar para dilatar, até ao limite de suportável, qualquer tipo de decisão. O regime jurídico da Casa da Música surge desde logo com um dos mais lamentáveis exemplos desta forma de governar um futuro eternamente adiado, mas recheado de reflexão.

 

Fernando Lemos: homenagem do CPF

O Centro Português de Fotografia (CPF) homenageou e muito bem, no final da tarde de anteontem, na Cadeia da Relação do Porto, o artista e pensador português Fernando Lemos, com a estreia do documentário homónimo realizado pelo cineasta brasileiro Olívio Tavares de Araújo. O filme afirma-se, sobretudo, como uma ferramenta analítica indispensável, contendo material de consulta obrigatória para a concretização de trabalhos académicos sobre a vida e obra de tão singular e influente figura no meio artístico luso-brasileiro.
Apesar de reconhecido em Portugal, sobretudo nas últimas décadas, pelo seu importante legado fotográfico, tendo recebido em 2001 o Prémio Nacional de Fotografia, Lemos afirma-se sobretudo como artista plástico com frequentes incursões pela pintura e desenho, inserido no movimento surrealista português dos anos 40. O próprio homenageado desvaloriza ou pelo menos marginaliza a sua obra fotográfica confessando que "foi atrás da fotografia como poderia ter ido atrás da cerâmica ou de outra coisa qualquer."
O trabalho em formato vídeo de Olívio Tavares de Araújo inicia e termina uma viagem pela vida e obra de Lemos a partir dos seus trabalhos fotográficos realizados essencialmente nas décadas de 40/50 e que retratam de forma intuitiva e plena de sensibilidade uma geração de notáveis da cultura portuguesa, de Sophia de Mello Breyner a Mário Cesariny passando por Jorge de Sena e José Viana.
Homem de esquerda, simpatizante não filiado no PCP e naturalmente asfixiado pelo Antigo Regime, Lemos refugia-se do outro lado do Atlântico, em 1953, desenvolvendo a partir de S. Paulo grande parte da sua importante produção artítica. Apenas quatro anos mais tarde, em 1957, participa na IV Bienal de São Paulo, dividindo o prémio de Desenho com Wega Nery, conquistando, desde logo, a atenção, respeito e admiração da comunidade artística brasileira.
Portugal recupera, a partir do Porto, "a minha Lisboa a preto-e-branco", o legado fotográfico de Lemos, na exposição colectiva "A fotografia na arte moderna portuguesa", realizada no final da décda de 70. Já, em 1982, Lisboa, cidade natal do artista, desperta, para os seus trabalhos com a mostra "Refotos dos anos 40". Mais tarde, e por iniciativa do fotógrafo português Jorge Molder, a Gulbenkian organiza duas exposições individuais: a primeira, em 1992, em Paris, reunindo meia dezena de fotografias, durante o "Mois de la Photo", e uma segunda e mais ampla incursão pela obra de Lemos, já em formato de retrospectiva, intitulada "À sombra da luz", em 1994.
Pensador livre e conversador compulsivo, Fernando Lemos afirmou-se bastante satisfeito com o documentário de Olívio Tavares de Araújo, "um amigo que me conhece bem" e contente por se reencontrar com uma cidade geneticamente fotográfica, que tem permanecido atenta à sua obra. Um apontamento final para destacar o excelente trabalho que Teresa Siza tem vindo a desenvolver à frente do CPF, um raro mais pleno exemplo de como dinamismo, bom senso e criatividade podem sobreviver no seio de uma institução pública.

 

"Fallen Nights and Fallen Ladies", Lou Reed

"Na idade em que encontrar uma personalidade é um problema, há pessoas que formam grupos de rock n´roll e tocam para outras pessoas que têm as mesmas dificuldades. A diferença de idade entre o executante e o espectador não é grande. Infelizmente, os que estão na quarta fila imaginam que os que estão em palco sabem alguma coisa que eles não sabem. O que não é verdade(...)
O cantor possui uma alma, mas tem a sensação de que já não é amado logo que desce do palco (...) tem a sensção de que só brilha em palco e que fora do palco passa despercebido, com uma aparência vulgar como a da flor mais vulgar do jardim. Mas, não somos nós todos tão vulgares como as gotas de água'?" (Lou Reed, "Fallen Nights anda Fallen Ladies")

"Sexo, Noitadas e Rock n´Roll"

"Emborcar seis cerjevas e cambalear só por causa de uma conversa, de uma gaja e de uma foto do Che. Telefonar-te a dizer que estou vivo e que, finalmente, voltei a devorar um livro, que curiosamente se chama "Memórias de um Alcoólico", de Jack London. Entrar nas conversas e deixar escapar a deixa. Escrever declarações de amor a gajas de gosto duvidoso. Trair-te em Vilar de Mouros ao som dos Led Zeppelin. Estoirar em sonhos alucinatórios a meio de uma existência pacata. Voltar ao computador e à concha do lar familiar. Confundir vozes delirantes com masturbações mentais. Mas há uma foto do Che no quarto a quem apelo contra todas as injustiças, todos os imperialismos, todas as tiranias. Mas há uma foto do Che e a boina, o olhar, a estrela e volto a acreditar que a revolução é possível. Apesar de todas as normas, de todas as rotinas, de todos os filhos da puta."
Pedro Ribeiro apresentou ontem à noite, no Púcaros, mais um volume, revisto e aumentado, da contundente obra "Sexo, Noitadas e Rock n´Roll", da qual tomei a liberdade de extrair o supracitado poema intitulado de "Che". Com o fantasma de Morrison sobre presente, no Porto poetas, boémios e outros inconformados foram reis e heróis, pelo menos por uma noite. Vida longa e inspirada ao "Imperador da Cinco da Manhã" e às edições Pirata...
"A serpente continua à espreita"

 

Queens Of The Stone Age: "Lullabies To Paralyze"

Os Queens Of The Stone Age (QOTSA) revelaram, ontem, à MNE alguns pormenores sobre o seu quarto registo de originais. Segundo a revista britânica, citando a Billboard, o trabalho intitula-se "Lullabies To Paralyze" e será editado a 21 de Março de 2005 em Terras de Sua Majestade e um dia depois nos EUA. O disco conta, entre outras, com as participações de Shirley Manson, dos Garbage, e da namorada de Homme, Brody Dalle, dos Distillers.
Sinceramente devo confessar que aguardo este álbum com algum entusiasmo. "R" e "Songs For The Deaf" fazem parte da minha colecção dos melhores discos de rock dos últimos anos. Ambos os trabalhos emergem num contexto musical carente de alternativas puras e duras, perante a "hype" dos Strokes ou White Stripes e da ascensão de uma pop e de um r&b cada vez mais parecidos com projectos audiovisuais saídos dos estúdios da Playboy. Recolhendo os detractores do uso excessivo das ilusões dos Guns n´Roses no início da década de 90, chamando até si a comunidade de órfãos dos Nirvana e os alérgicos ao efeito Bob Rock nos Metallica, os QOTSA souberam recolher e actualizar o melhor da sonoridade dos Zeppelin com os coros dos Black Sabbath, adicionando pelo caminho uma poção mágica vinda directamente de Seattle. O resultado em "Song For The Deaf" é desconcertante rude e hormonal.
Tive a oportunidade de assistir às duas actuações em Portugal da banda e não fiquei desiludido. A primeira, em Novembro de 2003, esgotou o "a-precisar-de-recuperação-urgente" Teatro Sá da Bandeira, no Porto. Num ambiente de teste à segurança da casa onde Aurélio Paz dos Reis estreou em Portugal uma arte chamada cinema, os QOTSA ofereceram um concerto tão poderoso quanto demolidor, com efeitos secundários nos tímpanos e garganta durarem mais de 48 horas. Da parte da tarde, tive a oportunidade de entrevistar Mark Lanegan, que entretanto já abandonou o projecto. Na altura, o Screaming Tree confessou-me a admiração e a fonte inspiracional que tem sido para ele o legado dos Nirvana. Homem com ligações a Seattle transportou para os QOTSA uma vocalização soturna, intensa e delirante, basta ouvir "Hanging Tree" ou "Song For The Deaf".
A segundo concerto, no excelente Paredes de Coura 2003, recheado de estreias em Portugal (Yeah, Yeah, Yeahs, The Datsuns, entre muitas outras), o colectivo conduziu mais de 25 mil pessoas numa viagem pelos desertos da Califórnia, menos intimista é certo, mas contudo, comprovativa da excelência do colectivo e dos álbuns.
Com em sem sessão no deserto, com mais um menos intimidade, a qualidade interpretativa e a energia do colectivo conquistou definitivamente um importante espaço na história dos concertos "made in Portugal" e soube inscrever, em estúdio, três álbuns referencias para a historiagrafia recente do rock. Espero que o quarto registo confirme o talento do colectivo e que a banda regresse ao Porto para um segundo concerto, desta vez de preferência no Coliseu.

Mário Cláudio: "A função do escritor não é ser legível, mas autêntico"

Pouca gente lê os romances de Mário Cláudio. Apesar de se afirmar como um dos maiores escritores contemporâneos da língua portuguesa, ao lado de nomes António Lobo Antunes ou José Saramago, o autor de "A Cidade no Bolso" não cativa o grande público, os "compradores de livros", nem o espaço mediático pertencente aos dois autores supracitados. A sua escrita não raras vezes é acusada de ser demasiado rebuscada, barroca, excessiva, dando pouco espaço ao leitor para respirar e encontrar uma terceira via imagética que lhe possibilite despertar os sentidos em detrimento do uso constante da razão e da memória histórica.
Tendo como pano de fundo o lançamento pela D. Quixote do seu mais recente trabalho, "Gémeos", com o qual encerra a triologia das constelações de setes estrelas, iniciada com "Ursamaior", tive a oportunidade de conversar com Mário Cláudio na sua casa aqui no Porto. Numa extensa entrevista editada parcial e posteriormente num diário e que não me cabe aqui reproduzir, o autor de "Amadeo" confessou a razão pela qual não cede uma vírgula a um estilo literário que certamente lhe poderia valer mais cópias vendidas e um maior exposição livreira e mediática.
"O estilo de um autor - diz Mário Cláudio - não é uma questão de opção, mas sim de natureza. Escrevemos o que somos". Umas das características mais marcantes da personalidade de Mário Cláudio é precisamente o elevado grau de exigência da pesquisa e elaboração que coloca em cada obra. Uma exigência que é partilhada com o leitor. Para apreciar, por exemplo, "Oríon" mais do que este último romance "Gémeos", é desde logo necessária uma atenção particularmente singular aos detalhes da história e à estrutura narrativa da obra. Complexa, certamente, mas autêntica no sentido mais humanista do termo. Como me confessou o autor "a função do escritor não é ser legível, mas sim ser autêntico".
Não é por acaso que a mais recente triologia encerra uma poderosa e singular reflexão sobre o estado de exílio. Se em "Ursamaior" temos a problemática das prisões no Portugal contemporâneo, como forma de controlar os perigosos, colocando-os à margem da teatro social, e em "Ursamaior" o degredo de crianças judias durante o reinado de D. João II, sublinhando uma dupla forma de marginalização rácica e etária, nesta última obra, "Gémeos", a velhice de um pintor e a sua degradação física são olhados pelo próprio artista à luz de uma relação de amor-ódio com uma adolescente. Apesar de se desenrolar séc. XIX, a obra remete-nos para a outra reflexão urgente sobre a forma como a nossa sociedade idolatriza a juventude, beleza e a boa forma física, o exterior, a superfície, encerrando, por oposição, a velhice a sete chaves em lares da terceira idade ou oculta-a com cosméticos, operações plásticas e outros exercícios que, por vezes, atingem o ridículo. Em última análise, a superfície e a estética do aparente é sobrevalorizada em detrimento do conhecimento experiencial e da profundidade histórica. Não raras vezes assistímos a situações a roçar o cómico de mulheres a querem passar por adolescentes e adolescentes a desejarem ser adultos, num culto do corpo e da beleza que por vezes roça o caricato. Não há nada mais dramático do que ver na rua uma sexagenária vestida de "teenager" com um comportamento infantil.
Não sendo necessário nem obrigatório ler as duas obras anteriores, "Gémeos" apesar de ser uma das obras mais "acessíveis", certamente não irá parar aos tops das livrarias, nem dos shoppings, no entanto, no universo literário português afirma-se como um dos livros a ter em atenção e uma boa porta de abertura para uma literatura que não sendo de aeroporto, praia ou viagem, oferece pistas e reflexões urgentes e confirma a excelência da escrita de uma das mais brilhantes mentes da cultura portuguesa.

Segunda de Manhã 

Em busca da Felicidade...

Lundi Matin (Segunda de manhã), filme realizado por Otar Iosseliani, teve o visionamento para a imprensa na segunda de manhã, por ironia ou não.
Premiado com o Urso de Prata (melhor realização) no Festival de Berlim, "Segunda de Manhã" retrata um quotidiano similar ao da esmagadora maioria da classe média portuguesa. Vincent, o protagonista (interpretado por Jacques Bidou), trabalha numa fábrica, mas poderia trabalhar num escritório ou como caixa de um supermercado, que não iria ser menor a monotonia sentida.
A busca da Felicidade é o leit motiv de todos os seres. Humanos e não só. Todos os seres sem excepção procuram a harmonia e o bem-estar e fogem ao que provoca sofrimento. Para os seres humanos em geral a Felicidade é uma meta muito difícil de atingir dada a complexidade dos enredos axiológicos que cada um impõe ao conceito de felicidade.

Em "Segunda de Manhã", o protagonista acorda todos os dias à mesma hora, faz o mesmo percurso para a fábrica, onde abandona o vício do tabaco no portão de entrada, retomando-o depois clandestinamente. O trabalho rotineiro estrangula-lhe a veia criativa e a monotonia da vida familiar aumenta-lhe a solidão que se vai tornando insuportável até ao ponto de decidir partir numa viagem pelo mundo.

A complexidade da fábrica é apresentada de forma paralela à complexidade dos canais de Veneza. A rotina da vida de Vincent, que o afasta dos colegas e da família, levando-o à solidão, contrasta com a pureza de planos venezianos, onde a riqueza das emoções e a variedade das cores lhe preenche o vazio da alma solitária. A expressão de criatividade, afinal o único elemento que lhe faltava na sua construção da felicidade, encontrou-a em Veneza, onde se espantou com as abóbadas dos telhados recortados contra o céu e se maravilhou com a beleza dos canais raiados pelo sol da manhã.

A busca da Felicidade e a fuga da monotonia é apresentada neste filme com poucas palavras e muita simbologia. O natural por oposição ao artificial, a fragilidade dos elementos leves e etéreos, como a água dos canais e as nuvens no céu, contrastando com a aparente solidez dos elementos pesados, como a força do aço e o granito bruto dos casarios. A efemeridade ligada à Felicidade. A solidez e permanência ligadas à infelicidade. A complexidade e a simplicidade... Sempre a dualidade a expressar os conceitos maniqueístas com que elaboramos o mundo.

Afinal, não há complexidade que não seja composta pela simplicidade de vários elementos juntos. Apenas é preciso saber observá-los.

Um conceito muito budista...

Escrito por IsabelBodhisattva

Festa da Baixa está mesmo em baixo

Finalmente, terminou ontem um dos melhores exemplos das falta de dinamismo cultural das gentes políticas que governam a cidade do Porto. Estou naturalmente a referir o movimento de propaganda autárquica denominada "Festa na Baixa". A Câmara Municipal do Porto (CMP) , via Culturporto, (que ainda é presidida pelo esforçado Marcelo Mendes Pinto), tomou sobre si a responsabilidade de divulgar um programa-folheto transformado em manta de retalhos com o ambicioso objectivo de dinamizar a Baixa do Porto em apenas três dias. Deus necessitaria pelo menos de uns quatro ou cinco, tendo em conta a quantidade de casas abandonadas.
Para além da maioria dos eventos da dita "festa" não serem produzidos pela CMP, caso natural da agenda da Fnac, do festival FRAME ou das exposições do Centro Português de Fotografia (recorde-se que estas últimas inauguraram em Setembro), o que mais impressiona é a incoerência total e absoluta do auto-intitulado programa. Sem um único evento dedicado ao teatro, o cardápio mistura a 14ª edição do Festival de Jazz do Porto, no Rivoli, com a Festa do Fado da Rádio Festival, no Coliseu, e ainda consegue encontrar um espaço para enfiar o insuspeito Snowey White, na Fnac de Santa Catarina, isto só para falar de alguns exemplos na área da música.
Depois de um fim-de-semana em que a Baixa ficou completamente irreconhecível, a Festa terminou ontem à noite, da melhor maneira, com as gentes da Culturporto a fazerem um magusto nos Maus Hábitos, enquanto do outro lado da rua, Maria da Fé cantava o fado num Coliseu alugado à Rádio Festival, (note-se, agora sim, a coerência do nome), sala de espectáculos que de 2002 para cá tem apresentado uma programação cada vez mais negra e deprimente, mas isso dava outro desabafo de meia página. Para o próximo ano seguem-se mais visitas a miradouros e como não podia deixar de ser quilos de castanhas e horas do melhor fado, por que, ao fim e ao cabo, é disso que a gente do Porto parece gostar...

Sugestão de Música: "The Way It Is", de Snowy White

Ontem ao final de tarde espantei-me como uma dose ao vivo e a cores de blues da mais elevada qualidade. Snowy White, ex-guitarrista Pink Floyd com quem colaborou no histórico "The Wall", veio até à Fnac de Santa Catarina revelar os acordes do seu mais recente longa-duração "The Way It Is". Afastado o mais possível dos habituais "show-cases", por vezes, transformados em autênticos espectáculos de karaoke maníaco-depressivo, ou bipolar como agora os psicólogos gosta de catalogar, a amostra grátis do sucessor natural de "Restless", revelou um Snowy White apostado em trazer a pequena tasca da multinacional francesa abaixo.
Dos temas apresentados, destaque para "What I´m Seaching For" elevou-se como uma viagem alucinante pelos blues latinos muito próximos da melhor fase de Santana, abrindo-se depois em paragens obrigatórias com solos mais progressivos, reveladores de uma gramática rítmica tão extensa quanto criativa. Da base blues que sustenta o edifício musical, não só do novo registo, como também de grande parte dos álbuns anteriores de Snowy White, o tema de abertura, "No Stranger to the Blues" ou "Piece of Your Love", este mais influenciado por "Money" dos Pink Floyd, servem de exemplos do virtuosismo inteligente e maduro de Snowy White que não se deixa perder em escalas redundantes nem em devaneios egocêntricos de solos muitas vezes excessivos e recorrentes em guitarristas de grande calibre técnico, como Joe Satriani ou Gary Moore. Finalmente, outro dos temas em destaque, "Falling Down" nasce numa atmosfera melódica densa e hormonal perto de David Sylvian, desenvolvendo-se depois para uma base de teclas e ritmos a roçar o melhor de Mark Knopfler. O álbum contém ainda uma interessante versão do clássico "Black Magic Woman", que mais uma vez relembra Santana.
Após o amplo e consistente concerto e já com o CD no saco tive a oportunidade de conversar uns breves minutos com o músico. Num inglês diplomático, o guitarrista confessou-me estar bastante satisfeito com o registo, adiantando ainda que neste álbum teve mais liberdade criativa do que nos anteriores, pois ao mudar de banda - que é excelente diga-se de passagem- ganhou amplitude musical com a inclusão das teclas. Depois conversámos sobre os Pink Floyd, a sua relação com Roger Waters, a experiência de "The Wall" e as dificuldades que actualmente está a encontrar para penetrar num mercado discográfico que se revela "cada vez mais difícil para um simples guitarrista de blues".
Por falar em dificuldades, nota mais do que negativa para a ausência da comunicação social local que, provavelmente, entretida com a "Quinta das Celebridades" perdeu mais uma oportunidade singular de conhecer e divulgar um dos grandes guitarrista da música moderna. O disco vale a pena, não só pelos refinados blues, mas também como instrumento leitura sonora para a uma compreensão mais esclarecida e profunda do monumento chamado "The Wall".

 

Sugestão de Cinema: "Olha para Mim"

Anteontem tive a feliz oportunidade de assistir à antestreia do filme "Olha Para Mim", mais uma infeliz tradução do original "Comme Une Image". Trata-se da segunda proposta cinematográfica da francesa Agnès Jaoui, depois do "Gosto dos Outros". O filme, que chega aos ecrãs nacionais já na próxima quinta, dia 11, sinceramente agradou-me bastante. Trata-se de uma crónica social com irressistíveis momentos de humor e não menos intensas atmosferas dramáticas sobre as ambivalentes relações de poder inteligentemente sustentadas em dois cenários que acabam por se cruzar ao longo da narrativa desde o início: os cínicos ambientes editoriais parisienses e as problemáticas relações familiares.
Figura central do filme, Lolita Cassard (Marilou Berry) surge como uma adolescente asfixiada pela fama do pai, Etienne Cassar (Jean-Pierre Bacri), um reconhecido, arrogante e egocêntrico escritor francês a atravessar uma crise inspiracional, e um corpo obeso que a coloca à margem do "status quo" estético da "belle france". Entretida em aulas de canto, a jovem estabelece uma relação de amizade com a professora Sylvia Millet (interpretada pela própria realizadora, Agnès Jaoui) que, apesar de não se interessar muito pela aluna, acaba por lhe dar toda a atenção do mundo, tendo em vista a fama do pai e a promoção de um livro do seu marido, Pierre Millet, que sente dificuldade em triunfar como escritor.
Jogos de interesse e teatros de aparência atingem com uma naturalidade assustadoramente cómica o limite do suportável, com os personagens femininos a serem as primeiras vítimas. A começar por Lolita, que não consegue de forma alguma despertar qualquer espécie de atenção do pai, e a terminar na sua professora de canto, que após ver o marido alcançar o sucesso editorial, sente que este coloca a amizade com Etienne e a sua carreira como escritor "da moda" à frente de tudo e de todos.
Vencedor do prémio para melhor argumento na Festival de Cannes, "Olha ParaMim" apresenta-se como um filme a não perder. Para além do excelente texto e brilhantes interpretações, a música clássica, rock e mesmo rap conferem ao filme um ritmo e uma emoção rara, sem descambar nos estereótipos e manipulações fáceis de uma narrativa cativante, inteligente e divertida.

 

Concerto: Tim Booth no Hard Club

Os centenas adeptos mais "hard core" dos James, dos quais não faço parte, fizeram questão de comparecer, na sexta à noite, num Hard Club que ameaçou esgotar para ouvir Tim Booth. Embora o primeiro registo a solo, "Bone", fosse o prato princípal, o auditório queria essencialmente escutar um "best of" da banda de Manchester e recordar os bons velhos tempos, tendo sempre presente na memória o concerto em 2001 no Coliseu do Porto. O sonho acabou por se tornar parcialmente real, quando Tim Booth ofereceu três temas dos James ("Laid", "Sometimes" e "Ring the Bells"). Como seria previsível, o que acabou mesmo por triunfar não foram as novidades editadas em Junho, mas fantasma dos James que se elevou num revivalismo pop anacrónico a roçar o karaoke.Demasiado híbridas e hesitantes, as sonoridades do disco de estreia de Booth transportadas para o palco ensaiam, sem sucesso, um ténue e difícil equilíbrio de conquista entre a pesada e relevante herança os James, bem patente nos singles "Down To The Sea" e "Wave Hello", ambas rapidamente consumidas pelo público e pelas rádios FM, e a abertura a melodias "groove", como "Bone" ou "Eh Mamma". O resultado final revelou-se demasiado modesto e previsível, tendo em conta, não só o imponente legado "mainstream", sobretudo na segunda fase da vida dos James, pós-Laid, e a pouca consistência e originalidade das composições de Booth e da banda que o acompanha. Entre a ressaca mais pop dos New Order e dos desvios pelas estruturas rítmicas de Brian Eno a caminho da Irlanda, "Bone", sobretudo ao vivo, carece de substância e de novidade, ficando-se pelo simplesmente agradável e inconsequente.Com um público suplicante pela ressurreição mais do que forçada impossível dos James, Tim Booth fez a vontade aos fãs abrindo o concerto com uma versão maníaco-depressiva de "Laid". Transformada em balada, a canção foi servida a frio sem os essenciais arranjos de guitarra de Saul Davies, substituídos, entretanto, pelo modesto Lee "Muddy" Baker, produtor e guitarrista de serviço.Dos temas de "Bone", "Eh Mamma" é uma promessa por cumprir. Abre com uma linha de baixo muito "groovy", esbarrando em seguida com uma estrutura rítmica tão rígida quanto previsível, colocando um ponto final a uma extensão melódica que poderia transportar o tema para um nutritivo universo jazzy. "In The Darkness" afirma-se como mais uma canção pop inofensiva e inconsequente e, finalmente, "Bone" não expande o efeito Brian Eno, remetendo-se a um refrão simples e aprazível.Para saborear melodias de interesse foi necessário recuar a 1996, colocar no palco do Hard Club o registo "Booth and the Bad Angel" e contemplar o toque de Midas de Angelo Badalamenti, especialmente em "Dance Of The Bad Angel", provavelmente o melhor tema da noite, entre texturas "funk" de Beck e vocalizações a fazerem relembrar a poesia rouca e intemporal de Leonard Cohen.A encerrar um concerto sinceramente modesto, embora agradável, "Careful What You Say", a única novidade em relação ao alinhamento de Lisboa, com algum público a abandonar antecipadamente o edifício e a saborear uma "chuva de Novembro" a beira Douro.